L’esthétisme avant tout

Sophie Brillouet chérit une relation émotionnelle avec l’esthétisme depuis sa plus tendre enfance. Toutes les disciplines artistiques dans lesquelles elle s’est investie sont marquées par cette recherche constante. Dans ses études d’arts plastiques naturellement, puis dans le spectacle vivant avec l’opéra contemporain, dans la création de sa propre compagnie de théâtre, Sophie a toujours cherché à embarquer les spectateurs dans un voyage onirique. Après avoir choisie de créer dans l’émulation d’une tribu autour d’elle, elle a éprouvé le besoin tout à la fois de retravailler avec ses mains, de retourner dans le silence d’un atelier. Encore fallait-il que cette nouvelle aventure esthétique soit originale pour se confronter à de nouveaux défis. Le coquillage, qu’elle ramassait précieusement dans ses année d’enfance en Charente-Martime s’est doucement imposé à son imagination.

De l’envie à la maîtrise du shell-art

De la petite boite en bois héritée de son grand-père que la petite Sophie garnissait de coquilles d’huîtres, palourdes, chapeaux chinois ramassés sur les plages de l’Ile d’Oléron dans son enfance, aux panneaux muraux que l’on peut admirer dans des hôtels de luxe les plus prestigieux dans le monde, Sophie a accompli son parcours initiatique de shell-artiste en quelques années seulement.

En 2015, date de sa nouvelle orientation de vie artistique, elle devient l’assistante de Block Kerr Wilson, artiste internationalement connue. Pendant quelques années, Sophie l’accompagne et se forme auprès d’elle tant dans le sud de la France qu’à Palm Beach aux USA, travaillant sur des chantiers majoritairement privés, dans les résidences luxueuses des « super rich ».

Puis, Sophie décide de voler de ses propres ailes et de créer son propre univers, celui qui correspond à ses aspirations, à son envie de faire rêver. Son expertise de la mise en scène issue de son parcours précédent lui donne une plasticité et une liberté totale de création. Design mural, sculpture, tableaux, mobilier, elle ne s’interdit rien et le moins que l’on puisse dire est qu’elle excelle dans toutes ses recherches… Elle travaille dans son atelier à Cognac ou elle s’est installée et tisse des liens avec les artisans d’art et artistes qui y résident.

Depuis, les créations se succèdent dans un foisonnement artistique réjouissant. L’inspiration nait des nombreux voyages effectués en Europe, Etats-Unis, Afrique, ainsi que des références artistiques de prédilection de l’artiste. Le bleu, le blanc, le beige et le nacré constituent la palette de choix de Sophie pour faire vibrer la lumière et mettre en valeur l’extraordinaire créativité de l’océan et de ses petits habitants. Les rouges, gris bruns et jaunes font également partie de ses choix de coeur.

Contempler les nuages

Tout naturellement sa première oeuvre s’est appelée « Les nuages ». Les nuages, de toutes dimensions, qui viennent se poser délicatement sur un mur, ou qui viennent coiffer un pied et s’offrent au regard sur un meuble. Suivant l’exposition, le nuage capte la lumière différemment, symbole d’une métamorphose permanente, rendant l’oeuvre vivante. Cette série, toujours réalisée à l’unité, nuage après nuage est un des ‘ »best-sellers » de Sophie.

La créativité et la patience

Chaque pièce demande des centaines d’heures de travail. A l’origine bien souvent un dessin que Sophie pose dans ses carnets, puis le choix des coquillages et le travail patient et méticuleux de l’artiste. Elle entrelace ensuite chaque coquillage à la main, comme les mailles d’un tricot. Aucun vernis pour ne pas dénaturer la nacre, le résultat tout à la fois naturel et éblouissant de finesse. Que ce soit pour une création comme pour une commande particulière chaque oeuvre est unique.

Mytilus Edulis est une table d’appoint en moules bleues et bois de chêne. Sophie a fait appel à l’ébéniste cognaçais Mathias Heinisch pour la partie en bois, le verre sécurit provient des miroiteries de Cognac. Quant à la matière première, et dans une démarche de développement durable, Sophie a noué un partenariat avec le camping de la ville et récupère auprès d’eux les coquilles des mouclades et autres plats de moules proposés en saison qu’elle nettoie délicatement et fait sécher à l’entrée de son atelier !

Sophie a préparé deux oeuvres de grande dimension pour  » Révélations », la Biennale Internationale des Métiers d’Art et Création Biennale internationale métiers d’art et création qui aura lieu sous la verrière du Grand Palais du 21 au 25 mai prochain. Je suis certaine que ce diptyque que j’ai eu la chance de voir dans son atelier, ne pourra que retenir le regard des visiteurs, tout autant que l’intérêt des amoureux de Fernando Pessoa et de son « Ode maritime », auquel ce diptyque rend hommage.

Pour aller plus loin, prendre rendez-vous, je vous invite à découvrir le site de Sophie :Sophie Brillouet

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Une journée anniversaire de rencontres et de partage

Ouvert à tous librement, cette journée où l’on peut venir avec son pique-nique permettra de rencontrer des artistes, de voir une exposition, de participer à l’Assemblée Générale et d’assister à une performance artistique. C’est tout l’esprit de simplicité, d’ouverture à tous les publics, et de choix artistiques audacieux dans le domaine des arts visuels, marque de fabrique de Chabram ², qui s’exprimera samedi prochain à L’ECOLE, à Touzac sur la commune de Bellevigne.

Le programme

De 10h – 19h
Exposition des grands formats de Margritt Martinet
Rencontre avec Emmanuel Aragon – Sophie Rousteau – Laurent Valera, les artistes actuellement en résidence pou la prochaine exposition intitulée Ces chuchotements tout autour
Sortie et dédicace du cahier ANAGAMA, céramique flamme directe, la performance artistique inoubliable de l’an passée. Je vous en ai parlé ici.

15h Assemblée Générale de l’association ouverte à tous. (Seuls les membres pourront voter.)
17h Mémoire d’une œuvre en impromptu de et par le comédien Jean-Pierre Mesnard
18h Cocktail anniversaire

10 ans de découvertes artistiques inédites

Plus que les chiffres qui parlent d’eux-mêmes, c’est cette réussite collective et cette ouverture constante vers une diversité de publics qui résume au mieux l’activité des bénévoles de Chabram², accompagnés par des partenaires publics et privés et les fidèles donateurs privés. Depuis 5 ans, Chabram ² fait partie du réseau ASTRE (réseau Arts plastiques et visuels en Nouvelle Aquitaine) et soutient les artistes notamment en matière de rémunération artistique. L’association travaille également en réseau avec de nombreux acteurs socio-culturels du département.

20 expositions collectives et 1 exposition solo
3 concerts chorégraphiés
8 résidences de création
6 séjours artistiques
18 cycles de médiation et plusieurs centaines d’heures d’ateliers artistiques
175 artistes accueillis
Plus de 500 visiteurs en moyennes par exposition

Un cocon de création pour les artistes

Chaque année Chabram² accueille des artistes en résidence dans cette ancienne école au milieu des vignes, lieu propice à la création.Les artistes invités mènent leur activité de création, de recherche et d’expérimentation en bénéficiant de la mise à disposition gracieuse du lieu d’hébergement et d’un atelier leur permettant de développer leur activité sans impératif de production.

Aller à la rencontre de tous les publics du territoire

Un des objectifs de coeur de Chabram² est de démocratiser l’accès à l’art et de pouvoir sensibiliser tous les publics en allant également à leur rencontre. C’est ainsi que depuis 10 ans, des ateliers de pratiques artistiques ont permis aux jeunes scolaires et péri -scolaires ainsi qu’aux résidents des EHPAD du territoire et personnes des ESAT de s’initier avec bonheur aux diverses pratiques esthétiques.

Les articles du blog sur les récentes expositions

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Un lieu vivant et ouvert à tous

Depuis 2013, l’ancienne école a trouvé sa nouvelle vocation. Si l’on n’excepte la période délicate que l’on vient de passer, synonyme de fermeture temporaire, Chabram² a réussi en peu d’années à se faire une place dans le monde de l’art contemporain. Ses programmations sont toujours exigeantes et ambitieuses.

L’association monte deux à trois expositions par an, le plus souvent collective. Et pour démultiplier l’impact de ces expositions, Chabram ² multiplie les actions de sensibilisation : conférences, performances, visites accompagnées, ateliers pédagogiques animés par les artistes dans les écoles…

Enfin Chabram² accueille des artistes en résidence, qui apprécient la quiétude des lieux, la luminosité des cieux charentais, et l’atmosphère si particulière qui se dégage du paysage de vignes et de pierre.

L’exposition Tout est lié

Cette exposition réunissant quatre artistes travaillant le fil et le textile, devait avoir lieu en 2020. Elle peut enfin voir le jour en 2021. Elle est visible jusqu’au 4 juillet prochain. Prémonition, hasard, son titre Tout est lié résonne plus intimement alors que nous avons vécu une grande période d’isolement forcé, qui nous a obligé à réinventer le lien social, familial, amical.

Les oeuvres de Lara Blanchard, Awena Cozannet,Viviane Guilbaud, lissière charentaise et Charlotte Thomas vous saisissent quelle que soit votre sensibilité. La poésie qui s’en dégage n’est jamais loin de l’interrogation au monde dans lequel nous vivons aujourd’hui.

Infos pratiques

L’ECOLE CENTRE D ART CONTEMPORAIN – 9 rue Jean Daudin, Touzac – 16210 Bellevigne. Ouvert de 14h30 à 18h30, les samedis, dimanches et jours fériés. En semaine sur rendez vous. contact.chabram@gmail.com . Téléphone 05 45 91 63 89

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Une demeure ancestrale

Le lieu est habité depuis le 13 ème siècle, date à laquelle on retrouve la trace de plusieurs tours fortifiées. De nombreuses transformations ont eu lieu au fil des siècles. Le corps central du bâtiment et ses deux ailes datent du 18 è siècle transformant complètement  l’ancien château médiéval existant à cet emplacement.  La chapelle située à gauche de l’édifice et la « Maison des tantes » à droite ont été ajoutées au siècle suivant  par l’architecte Paul Abadie, auteur entre autres de la restauration de la cathédrale d’Angoulême et architecte de la basilique du sacré-coeur de Montmartre. Le château est inscrit à l’inventaire des Monuments Historiques depuis 2014.

C’est la même famille qui se transmet ce lieu de génération en génération, avec des noms différents suivant les mariages. Mais depuis 1750, le nom est identique, celui de la famille d’Hémery qui porte et entretient ce patrimoine comportant également un vaste domaine  de 8 hectares de bois et de prairies. C’est d’ailleurs Olivier Mathurin d’Hémery qui en plus de la rénovation du château, fait planter une immense futaie de chênes en 1750.

Une nuit d’enfer

Dans la nuit du 27 au 28 décembre 1999, la tempête Martin ravage une partie de la France, la Charente est particulièrement touchée. Le matin de cette nuit terrible, lorsque la famille d’Hémery sort pour constater les dégâts, elle  découvre  une vision d’apocalypse. Près de 15000 arbres gisent à terre dans un enchevêtrement inextricable, et le parc  est totalement dévasté.

Après une période bien compréhensible de désarroi, et d’immense tristesse, les propriétaires  meurtris réussissent à transformer ce désastre en renouveau, perpétuant l’histoire du lieu qui n’a de cesse d’évoluer depuis plusieurs siècles.

Une leçon de courage et un acte de résilience

Tout en dégageant cet enchevêtrement de troncs et de branches, la famille d’Hémery  imagine peu à peu de bâtir le renouveau en laissant libre cours à la créativité d’artistes. L’idée dominante est de laisser une trace de ce qui s’était passé en la transformant en oeuvre d’art. Aujourd’hui, le parc est classé jardin remarquable et le mot n’est pas usurpé.

Redonner vie au bois mort

C’est aussi un projet collectif qui se construit au fil du temps avec les regards croisés d’Andy Goldsworthy, Antony Gormley, Christian Lapie et Joël Shapiro qui se sont appropriés le bois sinistré pour réaliser leurs oeuvres.  Et le moins que l’on puisse dire est que chaque proposition originale est stupéfiante, elle s’empare du lieu et le magnifie. Le bois réinterprété de manière magistrale retrouve vie.

Difficile de faire un choix, si tant est qu’il fallait le faire, car chaque proposition artistique fait naître une émotion. Le Pré de l’Entre-Deux et Pool of Light m’ont particulièrement touchés.

Le Pré de l’Entre-Deux

Témoins silencieux et imposants d’un drame passé, ces 58 ombres tutélaires de dimensions impressionnantes veillent sur les 60 000 arbrisseaux de la nouvelle plantation. Christian Lapie a méticuleusement choisi 29 billes de chênes fendues, puis taillées à différentes hauteurs et traitées. Ce noir profond apporte une intensité forte au propos artistique. Le nom de l’oeuvre a pour origine la réflexion de Christian Lapie lorsqu’il visite le lieu pour la première fois au printemps 2002 et que de nombreux arbres sont encore à terre malgré le travail incessant des bûcherons depuis deux ans. « Ces arbres extraits des chablis sont tordus, vrillés, éclatés et livrent ainsi l’essentiel de leur secret. Une immense souffrance. Je propose de créer un lien entre le château et la nouvelle forêt que l’on replante. Ce lien doit être un rite de passage ».

Pool of light

2000 bûches de châtaigner fendues s’offrent à la lumière du jour et jouent avec les contrastes de couleurs. Cette oeuvre mouvante qui évolue au fil des heures et des endroits desquels on l’observe, est hypnotique. Andy Goldsworthy  est un artiste britannique qui est né et a vécu à la campagne une grande partie de sa vie, au contact direct de la nature. Le changement, la transformation, la temporalité font partie intégrante de sa démarche artistique. « Mouvement, changement, lumière, croissance et altération sont l’âme de la nature, les énergies que j’essaie de faire passer à travers mon travail »

Pool of light installée à l’arrière du château mesure 11 mètres sur 22 . Une photo ne peut pas exprimer la force de cette oeuvre vivante dans son intégralité. Petite vidéo donc mais surtout  je vous conseille vivement de la découvrir par vous même.

Les autres oeuvres du parc

Coeur de Chêne et Coeur de Chêne II. Andy Goldsworthy utilise des  branches coudées de chênes qui sont installées sans autre système d’attache qu’un jeu d’entrelacs.

La Forêt du sculpteur américain Joël Shapiro symbolise le déséquilibre d’une chute figée pour l’éternité.

One and Other d’Antony Gormley nous interpelle sur la solitude et la capacité de survie. Le moulage en fonte de fer de son propre corps fixé à 16 mètres de hauteur sur un séquoia tombé pendant la tempête fait figure de totem monumental dans la prairie. L’artiste ne cesse d’explorer la relation entre le corps humain et l’espace.

Ces oeuvres, témoins d’un passé douloureux, sont toutes porteuses de la capacité de résilience qui s’est incarnée rapidement, grâce au courage des propriétaires et à leur vision de ce nouvel espace. Ils ont su avec le concours d’artistes reconnus créer les conditions du renouveau et ouvrir une nouvelle page de l’histoire du lieu.

Les autres lieux remarquables

À l’orée de la forêt, la nouvelle querceraie présente une jeune collection de plus de 170 variétés de chênes.

Le potager, protégé par ses murs du 19è abrite une profusion de légumes et de fleurs, il est traversé par  un petit cours d’eau paisible qui contribue à la quiétude du lieu et conduit à l’amphithéâtre de verdure. J’ai beaucoup aimé également la grande tonnelle de cucurbitacées.

Ouvert en été, le jardin peut se visiter sur rendez vous au cours de l’année.L’abrègement à Bioussac (16) 05 45 31 84 73

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Plongée dans le noir, et aussitôt projetée dans l’univers de ce génie exalté et tourmenté qui a bouleversé la peinture du 19 è siècle, j’avoue que même si j’en avais eu un aperçu sur Entrée Libre de Claire Chazal, La Nuit Etoilée de Van Gogh est une expérience qui vous saisit d’emblée, pour laisser  place  progressivement à l’étonnement, l’émerveillement, l’émotion.

Un bain artistique fascinant

Comme d’autres, j’ai fait soudain partie du décor dans lequel tout est permis : marcher, s’asseoir, s’allonger, bouger, danser, rêver…

Un tableau ? non une partie des visiteurs assis, couchés, à l’intérieur même de l’espace scénographique.

J’ai suivi les pas de Van Gogh dans ses promenades du soir dans les rues d’Arles : Terrasse de Café le soir, Les cafés la nuit, La maison jaune…. accompagnée par Miles Davis…

Je me suis imaginée dans la nature,  celle que Van Gogh perçoit comme une force créatrice, en mouvement, vivante et libre, qu’il peint en travaillant les contrastes, et les couleurs. Ses fameux tournesols prennent là une force impressionnante, révélant ainsi tout à la fois, les états d’âme de l’artiste et son éblouissement pour la lumière provençale.

Une performance technologique et artistique totale

400 tableaux et cinquante dessins ont été choisis par les concepteurs Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi qui se sont plongés dans l’oeuvre de Van Gogh pendant plus de deux mois. Ils ont ensuite conçu un scénario, constitué de 10 chapitres, volontairement choisis sans suite chronologique.  Les choix musicaux audacieux participent pleinement à l’émotion procurée : rock, jazz, classique, cette recherche pointue en accord avec les oeuvres est due au compositeur Luca Longobardi. Le travail de conception réalisation de cette scénographie a nécessité un an de travail.

La palette du peintre

Le champ de blé aux corbeaux

Pont sur la Seine à Asnières

Au final, 140 vidéoprojecteurs connectés à 35 ordinateurs, diffusent les images animées sur 5000 mètres carrés à 360°, une démesure qui permet de voir l’art autrement en vivant une expérience immersive parfois déstabilisante, ( y compris pour l’équilibre !), toujours éblouissante.

« Nous espérons que cette expérience artistique émotionnelle donnera aux visiteurs, l’envie d’aller aussi contempler les oeuvres originales dans les musées » Gianfranco Iannuzzi.

Le centre d’art numérique de l’Atelier des Lumières, installée dans une ancienne fonderie dans le XI ème arrondissement, a déjà attiré plus d’un million de visiteurs pour son année d’ouverture et c’est mérité.

Japon rêvé, images du monde flottant

J’ai également beaucoup apprécié la poésie et l’esthétisme du programme court proposé en correspondance avec celle de Van Gogh. Japon Rêvé, images du monde flottant, créé par Danny Rose, répond à la fascination de Van Gogh pour ce pays.  Cette exposition numérique a été conçue à partir d’estampes de grands maîtres japonais du 17 au 19 è siècle et accompagnée par les oeuvres de Debussy. Représentant la vie quotidienne et le spectacle de la nature cette série de compositions délicates illustrent le mouvement artistique Ukiyo-e qui se définit comme « vivre le moment présent, se livrer tout entier à la contemplation de la lune, de la neige, de la fleur de cerisier et de la feuille d’érable… »Asai Ryoi ( 1612-1691)

C’est exactement ce que j’ai fait, juste me laisser porter par les images et la musique…

Ma récente immersion numérique c’est par ici

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Je vous avais déjà présenté cette expérience artistique étonnante, L’Ombre de la Vapeur en août dernier : une installation digitale lumineuse et sonore immersive dans lequel vous devenez acteur de la performance. C’est déjà une expérience en soi. Des nuages suspendus, des formes oniriques, un univers sonore qui vous déconnecte du réel, l’œuvre est vivante. Vous vous déplacez à l’intérieur et elle vous répond en modulant l’espace autour de vous.

Je ne vous explique pas ce qu’est le yoga que certains d’entre vous pratiquent très certainement. Alors imaginez faire une séance de yoga tout en concentration, respiration, lâcher prise dans cet univers numérique. Difficile à décrire, je vous laisse découvrir. L’expression « vivre le moment présent » a pris tout son sens.

je vous conseille de monter le son pour suivre la vidéo

C’est dans cet univers unique que Parmeet nous a guidé pendant une heure, avec exigence et humour. Nous étions une vingtaine connectés les uns aux autres, en interaction totale avec le lieu par la magie de notre prof. pleine d’humour mais qui nous a fait travailler à fond.

Elle nous a constamment guidé, encouragé, corrigé,  en nous répétant « shut your eyes » mais j’ai résisté à cette dernière recommandation : le spectacle de ces petits faisceaux de lumière qui se déplaçaient en fonction de nos gestes et nous enveloppaient complètement étaient trop magiques à vivre.

Ce fut une expérience intense, j’en suis sortie à 20 heures avec un sentiment de légèreté et de sérénité incroyable.

Pour retrouver mon précédent article sur cette oeuvre étonnante c’est ici

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La passion d’un érudit

Il a été le président du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême à deux reprises. Passionné de bande dessinée depuis son enfance, de design depuis son adolescence, professeur agrégé d’arts appliqués, Dominique Bréchoteau est tout à la fois un expert reconnu et une personnalité d’une très grande modestie. Il nous a livré une exposition unique et originale lors de la dernière édition qui vient de s’achever.

Une recherche inédite

Dominique Brechauteau  à souhaité mettre en évidence les impacts scénaristiques, esthétiques, ethnographiques du siège contemporain, et dans une moindre mesure des luminaires, dans l’univers de la BD. Cet érudit du 9ième art a consulté plus de 25000 albums pour extraire les illustrations qui entrent en résonance avec les sièges acquis au fil des ans ou rassemblés à l’occasion de cette exposition. Un vrai travail de bénédictin qui lui a pris plusieurs années.

Un siège, 16 cases

Chaque siège ou luminaire est mis en scène devant son panneau présentant 16 illustrations de cases dans lequel il apparaît. 19 tableaux sont ainsi exposés… On retrouve tout à la fois les grands noms de la BD et les grands noms du design contemporain, une mise en perspective insolite, jamais réalisée auparavant, source de (re)découverte de l’univers de la bande dessinée par le prisme du design.

Un choix artistique

Les sièges de Breuer, Charlotte Pierrand, Pierre Jeanneret, Le Corbusier, Robert Mallet-Stevens, Charles et Ray Eames, Arne Jacobsen, Toshiyuki, Philippe Starck et bien d’autres sont devenus élément de décor, signature d’un lieu, marqueur sociologique, ou bien  encore… plaisir personnel du dessinateur. « Un des intérêts principaux du métier de dessinateur de bande dessinée est qu’il vous fait endosser inévitablement la cape, à la fois d’architecte, de styliste, ou de designer… C’est aussi pour moi l’occasion de faire figurer plus simplement des objets dont j’apprécie plus particulièrement le design notamment pour leur qualité de conception et d’intemporalité » Luc Jacamon

« J’avais repéré chez des amis le fauteuil Wassili de Breuer qui se trouve discrètement dans un des passages de l’album les Yeux de Leïla  » Tito

Pour Claire Brétécher, le siège contemporain est intimement lié à son scénario. Elle dessine des sièges de Thonet, Starck, Pollock, Paulin, installés dans des univers branchés et bobos.

Baru, Cosey, Jean Solé, William Vance, Franck Margerin, Franquin, Benoît Peeters et Anne Baltus, Martin Véron, Georges Wolinski, Jacques Loustal, René Pétillon… ont utilisé ces sièges contemporains dans les registres qui leur sont propres, ce qui donne une grande diversité de représentations pour un même objet.

Extrait du catalogue de l’exposition

L’interaction entre design et bande dessinée

Le travail de recherche et de confrontation réalisé par Dominique Bréchoteau souligne à quel point la représentation du siège contemporain dans la bande dessinée est loin d’être neutre ou simplement décorative. L’objet devient un élément signification et signifiant du scénario renforçant ainsi l’atmosphère de l’environnement dans lesquels les personnages évoluent.

L’exposition  a été réalisée en étroite collaboration avec le CAUE de la Charente et avec le concours de l’Association du Festival International de la Bande Dessinée.

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Vous vous souvenez du Torula, ce petit champignon qui signale la présence de la précieuse eau-de-vie derrière les hauts murs des chais de cognac. Je vous en ai déjà parlé ici.

Le voici en majesté, personnage principal et omniprésent de cette oeuvre unique dans laquelle le spectateur devient également acteur.

Des nuages suspendus, des formes oniriques, l’oeuvre est vivante. Vous vous déplacez porté par un univers sonore qui incite au lâcher prise, elle vous répond en modulant l’espace.

Mais comment la définir exactement ? Une oeuvre numérique mais pas seulement, un  espace dans lequel on perd ses repères habituels,  une expérience pour peu que l’on s’abandonne au lieu et que l’on s’approprie progressivement cet espace mouvant et interactif.

Alors que vient faire le torula dans tout cela ? Chacune des petites particules lumineuses et mobiles rappellent la forme du torula lorsqu’on l’observe au microscope, ou tout du moins sa transposition graphique et très poétique.

Les créateurs

La compagnie Adrien M et Claire B co-dirigée par Claire Bardainne et Adrien Mondot crée des spectacles  et des installations dans le champ des espaces numériques et des arts vivants. Leur démarche place l’humain au centre des enjeux technologiques et le corps au coeur des images. Ils poursuivent parallèlement la recherche d’un numérique vivant, mobile artisanal, éphémère et sensible.

L’univers sonore de l’oeuvre intitulée « le cantique du champignon » est due à Olivier Mellano.

…Et à l’extérieur

Profitez de votre visite pour faire un petit tour dans la cour, je vous l’avais fait découvrir l’an dernier dans ce post  

et terminez votre exploration en prenant de la hauteur sur le roof top.

Exposition visible jusqu’en avril 2019 à la Fondation Martell à Cognac

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