Les cent chefs-d’œuvre que le musée d’Orsay a sélectionné dans ses propres collections ont été minutieusement choisies pour leur capacité à « raconter le climat » depuis le 19è siècle : tableaux, sculptures, dessins d’architecture, photographies… ces œuvres ont vocation à nous interpeler et nous interroger sur le monde. Elles témoignent des bouleversements initiés au XIX^e siècle, en pleine industrialisation et mettent en scène, dans des domaines divers, les prémices des défis climatiques contemporains.

“ Les « 100 œuvres qui racontent le climat » encouragent à penser l’avenir avec lucidité mais aussi avec espoir, en trouvant dans le patrimoine une source d’inspiration et d’engagement.”
Sylvain Amic, président de l’Etablissement public du musée d’Orsay et du musée de l’Orangerie -Valéry Giscard d’Estaing.

Les équipes cognaçaises ont ainsi soigneusement sélectionné deux tableaux parmi ceux proposés par le musée d’Orsay et inutile de dire que ce choix ne doit rien au hasard.

Les œuvres du musée d’Orsay en résidence à Cognac

Catherine Wachs-Genest, directrice scientifique des musées a volontairement choisi ces œuvres fortes pour susciter réactions et échanges mais également pour entrer en conversation avec une des œuvres du musée de Cognac, Le désert de Palmyre de Théodore Frère. 

En partie suite à l’expédition d’Egypte de Napoléon Bonaparte, le courant orientaliste fut très présent au 19è siècle. Ingres, Delacroix ont mis en lumière cet orient un peu fantasmé, onirique et mystérieux. Cette passion pour l’orient va se poursuivre tout au long du siècle tout en évoluant vers plus de réalisme entre le vécu et le rêvé.

Le Sahara de Gustave Guillaumet

Sobrement intitulé « le Sahara », ce tableau de Guillaumet exprime avec force, la réalité tout à la fois aussi lumineuse et envoutante qu’âpre et cruelle de cet endroit. Gustave Guillaumet était à la fois peintre et « reporter ». Lorsqu’il propose son oeuvre au Salon en 1868, celle-ci suscite force commentaires, dont celui de Théophile Gautier « Jamais l’infini du désert n’a été peint d’une façon plus simple, plus grandiose et plus émouvante ». De la dépouille de l’animal au premier plan, à la lumière de la caravane à l’horizon, mais peut-être est-ce un mirage, la composition du tableau est saisissante.

Le Pays de la soif d’Eugène Fromentin

Le rochelais Eugène Fromentin effectua plusieurs voyages en Algérie dont le premier d’ailleurs, à l’insu de ses parents. Comme Delacroix, il fut peintre et écrivain, auteur d’Un voyage dans le Sahara et Un voyage dans le Sahel. Dans ce livre paru en 1858, il relate une histoire tragique qui lui a été rapportée, celle d’une caravane de 20 hommes prise dans une tempête du désert. Huit hommes décédèrent de soif ainsi que les trois-quarts des animaux. Dix ans plus tard, Fromentin restituera cette tragédie dans un tableau qu’il intitulera Le pays de la soif. La composition de ce tableau saisissant n’est pas sans rappeler celle du Radeau de la Méduse.

Le peintre gardera le tableau dans son atelier. Vendu une première fois après sa dispartion , Le pays de la soif est acquis deux ans plus tard par Edouard Martell, grand négociant de cognac de la maison éponyme et généreux bienfaiteur de la ville, Un choix audacieux qui témoignait de sa passion pour l’art. Edouard Martell le lèguera au Musée du Louvre, sous réserve d’usufruit à son épouse. Le Louvre en deviendra propriétaire en 1928 au décès de Madame Martell.

Pour les équipes de la maison du négociant-musée d’art et d’histoire de Cognac, il était évident que ce tableau ne pouvait venir qu’à Cognac. Ce voeux a été exhausé par le musée d’Orsay. Un juste retour aux sources, même provisoire, mais qu’importe.

Le cognac, une histoire d’évolution permanente

Depuis 400 ans, le cognac a vécu une succession d’histoires tantôt flamboyantes, tantôt dramatiques, ne serait-ce qu’au moment du phylloxera. Mais il a su traverser les épreuves et se réinventer sans jamais se renier. Le grand défi de la transition écologique mobilise aujourd’hui tous les femmes et hommes du cognac associés à des chercheurs pour adapter leur savoir-faire et trouver les bonnes réponses aux nouveaux enjeux qui se profilent.

Parmi ces réflexions, choix de cépages plus adaptés aux contraintes hydriques, de porte-greffes tolérants à la sécheresse, poursuite de la replantations de haies… Nul doute que le paysage s’en trouvera certainement modifié.

Une visite au musée et des rencontres

28 mars à 12H30 dans la série Midi au musée, une présentation des œuvres prêtées par le musée d’Orsay

30 avril à 15 h visite en famille autour des œuvres et de l’enjeu climatique

05 juin : Dans le cadre de la journée mondiale de l’environnement, conférences, ateliers et table rondes ouvertes au public, en partenariat avec l’INRAE de Bordeaux, la station viticole, une tonnellerie du territoire.

Si vous vous posez la question de savoir de quelle manière l’art et la culture peuvent également  abonder le débat sur ce sujet qui nous concerne tous, autant collectivement qu’individuellement, n’hésitez pas à vous rendre à la Maison du négociant, musée d’art et d’histoire si vous êtes dans la région et dans les autres musées qui participent à cet évènement.

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Plongée dans le noir, et aussitôt projetée dans l’univers de ce génie exalté et tourmenté qui a bouleversé la peinture du 19 è siècle, j’avoue que même si j’en avais eu un aperçu sur Entrée Libre de Claire Chazal, La Nuit Etoilée de Van Gogh est une expérience qui vous saisit d’emblée, pour laisser  place  progressivement à l’étonnement, l’émerveillement, l’émotion.

Un bain artistique fascinant

Comme d’autres, j’ai fait soudain partie du décor dans lequel tout est permis : marcher, s’asseoir, s’allonger, bouger, danser, rêver…

Un tableau ? non une partie des visiteurs assis, couchés, à l’intérieur même de l’espace scénographique.

J’ai suivi les pas de Van Gogh dans ses promenades du soir dans les rues d’Arles : Terrasse de Café le soir, Les cafés la nuit, La maison jaune…. accompagnée par Miles Davis…

Je me suis imaginée dans la nature,  celle que Van Gogh perçoit comme une force créatrice, en mouvement, vivante et libre, qu’il peint en travaillant les contrastes, et les couleurs. Ses fameux tournesols prennent là une force impressionnante, révélant ainsi tout à la fois, les états d’âme de l’artiste et son éblouissement pour la lumière provençale.

Une performance technologique et artistique totale

400 tableaux et cinquante dessins ont été choisis par les concepteurs Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi qui se sont plongés dans l’oeuvre de Van Gogh pendant plus de deux mois. Ils ont ensuite conçu un scénario, constitué de 10 chapitres, volontairement choisis sans suite chronologique.  Les choix musicaux audacieux participent pleinement à l’émotion procurée : rock, jazz, classique, cette recherche pointue en accord avec les oeuvres est due au compositeur Luca Longobardi. Le travail de conception réalisation de cette scénographie a nécessité un an de travail.

La palette du peintre

Le champ de blé aux corbeaux

Pont sur la Seine à Asnières

Au final, 140 vidéoprojecteurs connectés à 35 ordinateurs, diffusent les images animées sur 5000 mètres carrés à 360°, une démesure qui permet de voir l’art autrement en vivant une expérience immersive parfois déstabilisante, ( y compris pour l’équilibre !), toujours éblouissante.

« Nous espérons que cette expérience artistique émotionnelle donnera aux visiteurs, l’envie d’aller aussi contempler les oeuvres originales dans les musées » Gianfranco Iannuzzi.

Le centre d’art numérique de l’Atelier des Lumières, installée dans une ancienne fonderie dans le XI ème arrondissement, a déjà attiré plus d’un million de visiteurs pour son année d’ouverture et c’est mérité.

Japon rêvé, images du monde flottant

J’ai également beaucoup apprécié la poésie et l’esthétisme du programme court proposé en correspondance avec celle de Van Gogh. Japon Rêvé, images du monde flottant, créé par Danny Rose, répond à la fascination de Van Gogh pour ce pays.  Cette exposition numérique a été conçue à partir d’estampes de grands maîtres japonais du 17 au 19 è siècle et accompagnée par les oeuvres de Debussy. Représentant la vie quotidienne et le spectacle de la nature cette série de compositions délicates illustrent le mouvement artistique Ukiyo-e qui se définit comme « vivre le moment présent, se livrer tout entier à la contemplation de la lune, de la neige, de la fleur de cerisier et de la feuille d’érable… »Asai Ryoi ( 1612-1691)

C’est exactement ce que j’ai fait, juste me laisser porter par les images et la musique…

Ma récente immersion numérique c’est par ici

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La passion d’un érudit

Il a été le président du Festival International de la Bande Dessinée d’Angoulême à deux reprises. Passionné de bande dessinée depuis son enfance, de design depuis son adolescence, professeur agrégé d’arts appliqués, Dominique Bréchoteau est tout à la fois un expert reconnu et une personnalité d’une très grande modestie. Il nous a livré une exposition unique et originale lors de la dernière édition qui vient de s’achever.

Une recherche inédite

Dominique Brechauteau  à souhaité mettre en évidence les impacts scénaristiques, esthétiques, ethnographiques du siège contemporain, et dans une moindre mesure des luminaires, dans l’univers de la BD. Cet érudit du 9ième art a consulté plus de 25000 albums pour extraire les illustrations qui entrent en résonance avec les sièges acquis au fil des ans ou rassemblés à l’occasion de cette exposition. Un vrai travail de bénédictin qui lui a pris plusieurs années.

Un siège, 16 cases

Chaque siège ou luminaire est mis en scène devant son panneau présentant 16 illustrations de cases dans lequel il apparaît. 19 tableaux sont ainsi exposés… On retrouve tout à la fois les grands noms de la BD et les grands noms du design contemporain, une mise en perspective insolite, jamais réalisée auparavant, source de (re)découverte de l’univers de la bande dessinée par le prisme du design.

Un choix artistique

Les sièges de Breuer, Charlotte Pierrand, Pierre Jeanneret, Le Corbusier, Robert Mallet-Stevens, Charles et Ray Eames, Arne Jacobsen, Toshiyuki, Philippe Starck et bien d’autres sont devenus élément de décor, signature d’un lieu, marqueur sociologique, ou bien  encore… plaisir personnel du dessinateur. « Un des intérêts principaux du métier de dessinateur de bande dessinée est qu’il vous fait endosser inévitablement la cape, à la fois d’architecte, de styliste, ou de designer… C’est aussi pour moi l’occasion de faire figurer plus simplement des objets dont j’apprécie plus particulièrement le design notamment pour leur qualité de conception et d’intemporalité » Luc Jacamon

« J’avais repéré chez des amis le fauteuil Wassili de Breuer qui se trouve discrètement dans un des passages de l’album les Yeux de Leïla  » Tito

Pour Claire Brétécher, le siège contemporain est intimement lié à son scénario. Elle dessine des sièges de Thonet, Starck, Pollock, Paulin, installés dans des univers branchés et bobos.

Baru, Cosey, Jean Solé, William Vance, Franck Margerin, Franquin, Benoît Peeters et Anne Baltus, Martin Véron, Georges Wolinski, Jacques Loustal, René Pétillon… ont utilisé ces sièges contemporains dans les registres qui leur sont propres, ce qui donne une grande diversité de représentations pour un même objet.

Extrait du catalogue de l’exposition

L’interaction entre design et bande dessinée

Le travail de recherche et de confrontation réalisé par Dominique Bréchoteau souligne à quel point la représentation du siège contemporain dans la bande dessinée est loin d’être neutre ou simplement décorative. L’objet devient un élément signification et signifiant du scénario renforçant ainsi l’atmosphère de l’environnement dans lesquels les personnages évoluent.

L’exposition  a été réalisée en étroite collaboration avec le CAUE de la Charente et avec le concours de l’Association du Festival International de la Bande Dessinée.

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Un après midi avec « Minou »

Je vous demande d’imaginer un après midi de juillet déjà très chaud, et une déambulation entre son atelier et la recherche du  lieu idéal dans son parc pour faire une séance de yoga ! Nous avons renoncé à aller dans les vignes familiales juste à côté pour des raisons pratiques de prises de vue. Même le chien de la maison a fini par  nous abandonner en cours de séance car il avait trop chaud…

La trame du papier

Elle peint depuis toujours, « alors qu’il n’y avait pas spécialement de fibre artistique dans ma famille ». Mais elle se plaît à imaginer qu’avoir vécu son enfance dans une papeterie, la mythique papeterie Lacroix Le Nil à Angoulême, qui fabriquait du papier de soie  notamment pour la Pléïade et la fameuse pelure éléphant, ont influencé son goût pour le support, pour la création. Puis ce clin d’oeil du destin lorsqu’elle fit ses études à l’école des Beaux Arts, à l’endroit même où elle habitait enfant, lui semble confirmer ce parcours. Elle a certainement raison.

Aujourd’hui, ces lieux chargés de l’histoire papetière de la Charente sont devenus le superbe Musée du Papier Notre artiste n’a pas tort d’y voir une empreinte de ce qu’allait devenir son itinéraire artistique. Le lieu de son enfance, puis de ses études est toujours un lieu de création artistique.

L’atelier

Visiter l’atelier de Minou relève de la  gageure ! Un capharnaüm de matières, toiles, pinceaux, brosses, papiers, photos, fours, cartons, carnets, objets de mémoire, oeuvres achevées ou en cours….

« Je ne m’interdis rien » dit-elle. Minou jongle en permanence entre la peinture, la gravure, la sculpture,  et s’amuse avec une multiplicité de supports, papier, tissu, toile, plexiglas, terre, bronze, porcelaine,  c’est un état d’esprit, un marqueur de sa personnalité.

Son vaste atelier est pourvu d’un étage lumineux qu’elle aime partager avec d’autres artistes très régulièrement. Généreuse et accueillante, elle ne s’imagine qu’entourée d’autres énergies.

Nous pourrions y passer des heures, les anecdotes s’enchaînent, et sous la douceur de la voix, la passion est vibrante.

La fluidité du geste

Que ce soit dans ses toiles, ses gravures, ses monotypes, qui constituent sa recherche créative du moment, ses créations sur porcelaine, sur tissu… la fluidité, l’envol, la légèreté sont omniprésents comme une signature de chacune de ses créations.

J’aime particulièrement celui de ces anges symbolisant la fameuse part des anges du cognac . Par la fenêtre de l’atelier, on aperçoit les chais et la distillerie familiale tous proches…

« De la respiration nait le geste, du geste nait le souffle »

C’est encore une rencontre qui a mené Minou vers le yoga de l’énergie. Après une première expérience de danse et yoga pendant son adolescence,  « une graine semée à 18 ans », Minou revient au yoga il y a quelques années. Une année de pratique plus tard,  elle convainc sa prof de partir en Inde avec elle où l’un de ses fils réside et où elle se rend régulièrement. Une formation intense sur place qui l’inspire, lui fait passer la barrière de pratiquante à enseignante à son retour. Pendant 4 années, Minou va se former, elle vient d’obtenir cette année son certificat fédéral d’enseignement du yoga après avoir passée son examen avec succès et soutenu son mémoire sur… l’envol !

Et comme la vie de Minou ne se conçoit que d’une manière holistique, entre famille, amis, rencontres, création, elle peint sur des saris… des postures de yoga !

Sharana

Minou et Sharana, c’est encore une belle histoire de rencontre. Un de ses fils part en Inde chez un ébéniste de leur connaissance, par ailleurs bénévole chez Sharana. De Sigogne à Pondichéry, le lien se créé peu à peu. Puis Vincent s’installe en Inde où il a maintenant ouvert son propre atelier, et Minou découvre tout à la fois les couleurs de Pondichéry et le travail inspiré de l’association.

Elle est aujourd’hui bénévole de l’association française Sharana. Elle se rend en Inde deux fois par an. Sharana qui ne cesse de se développer dans le respect du pays, vise aujourd’hui a renforcer sa politique de protection de l’enfance et des mesures de sécurité pour les enfants, mettre en oeuvre des entreprise sociales avec les mères, soutenir plus fortement l’accompagnement scolaire et limiter le décrochage, consolider et optimiser l’organisation du travail de l’équipe au sein du nouveau bâtiment construit.

Pour en savoir plus sur Sharana c’est ici http://www.sharana.fr/   

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Disons le tout de suite, les propositions d’Hervé Mikaeloff, consultant en art et commissaire indépendant d’expositions me séduisent très souvent. Son goût sûr et son expertise pour dénicher de nouveaux talents sont toujours une promesse de découvertes ouvrant sur des horizons inattendus.

Il existe parfois des passerelles insolites :  celle de la météorite de Massignac, prétexte à cette exposition m’a rappelé le fragment de celle sur laquelle j’ai posé ma main avant d’entrer dans la composition d’Olafur Eliasson à la Fondation Vuitton, lors de l’exposition inaugurale dont le commissaire d’exposition était…Hervé Mikaeloff… Hasard ?

Sa collaboration  avec Garance Primat pour cette exposition qui inaugure « La laiterie » magnifique espace dédié à l’art, aux sciences et à la nature, est une parfaite réussite.

De la météorite au voyage cosmique

21 artistes internationaux sont les hôtes de la Laiterie, participant chacun de manière magistrale à l’exposition inaugurale de ce lieu.  Tableaux, photos, dessins, sculptures nous font pénétrer dans un univers onirique et hors du temps.

Et quelle meilleure entrée en matière que cet escalier céleste en lévitation totale ne touchant ni  le plancher ni  le plafond,  de Gao Weigang…

Gao Weigang
Exposition Poussières d’étoiles 2018

J’aurai envie de tout vous montrer, mais je préfère que vous découvriez  ce voyage insolite avec votre propre regard. Un parcours qui  s’achève à l’extérieur avec l’oeuvre d’Ugo Rondinone, sobrement intitulée Sun, qui joue avec la lumière et avec le paysage donnant à voir d’autres perspectives suivant l’endroit où l’on se place.

« Cette exposition et plus largement ce lieu s’adressent à tous ceux et celles qui sont prêts à rejoindre la ronde, à retrouver leur âme d’enfant et à se laisser porter » Garance Primat

Les bibliothèques de la Laiterie

Installées en mezzanine, elles se répondent dans une symétrie parfaite à chaque extrémité de  l’espace. Des livres d’art, de science, de philosophie… livres anciens et plus récents appellent à la connaissance, à la découverte et à la détente, eu égard aux profonds canapés moelleux dans lesquels on peut se lover pour passer un moment hors du temps.

Dragonfly

La libellule, emblème du Domaine des Etangs se pose avec délicatesse en de nombreux endroits, comme ici sur le service à thé (délicieux !) . Autant dire qu’elle s’imposait naturellement pour signer la collection d’oeuvres d’art : Dragonfly.

Le jardin potager

Ma passion pour les jardins ne vous est pas inconnue. La promenade dans le jardin du Domaine des Etangs est toujours inspirante. Pas moins de 140 plantes et légumes s’y côtoient dans un apparent désordre, apparent seulement ! Et les jardiniers ne sont pas avares de conseils pour peu qu’on les sollicite. Un jardin holistique et une belle promenade digestive après avoir apprécié les produits frais et sains dans les assiettes…si vous choisissez d’y déjeuner.

Bref si vous avez envie de vous sentir connecté à la nature, en osmose avec le lieu qui vous entoure, allez voir cette exposition.

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Rendre visible l’invisible.

Le titre de l’exposition consacrée à Aleandre Farto aka Vilhs interpelle autant que le travail de l’artiste. il résume le processus créatif de Vilhs qui a connu une trajectoire fulgurante sur la scène artistique internationale en moins de dix ans.

D’Alexandre Fargo à Vilhs

Les trains, les murs, les panneaux publicitaires… de Lisbonne ont été ses premiers terrains de jeux. Alexandre Farto devient Vilhs à ce moment là, 5 lettres « faciles et rapides à taguer à la bombe ». Mais à l’inverse de nombre d’adolescents qui signent là un geste de rébellion et d’affirmation puis disparaissent du paysage, Vilhs montre déjà toute sa singularité et son talent. Constatant à son grand regret que ses tags sont cesse recouverts ou effacés, il fait évoluer sa technique et son travail. Puis il part étudier à la prestigieuse Saint Martin’s school à Londres. C’est dans cette  ville qu’il se fait vite remarquer, il n’a que 20 ans ! Dix ans plus tard, ses oeuvres sont exposées dans le monde entier. Entre temps il est revenu à Lisbonne pour ouvrir son atelier et se créé un point d’ancrage dans sa vie d’artiste international.

L’oeuvre du temps en commun

« Il y a dans nos productions beaucoup de choses qui se ressemblent comme le fait d’attendre l’action du temps. Je dois attendre que le temps fasse son travail, que les couches de la ville s’accumulent sur les murs. Ensuite on travaille avec des effets qui requièrent du temps pour prendre forme et cette partie ne peut être achevée plus rapidement. Le processus de création du congnac est assez comparable puisqu’il demande un temps long également ». Vilhs

Les oeuvres créées pour cette exposition et celle réalisée pour l’édition limités VS Hennessy, se sont nourries des inspirations de Vilhs au sein même des archives de la Maison et de ses visites au coeur des métiers et des savoir-faire.

crédit photo JMLUBRANO

Trois étoiles, un bras armé, des pampres de vignes, des éléments iconographiques forts se dévoilent partiellement sur les oeuvres. L’exposition permet ainsi au visiteur de découvrir comment l’artiste a procédé pour créer le design de l’édition limitée de Hennessy Very Spécial, comme s’il se trouvait dans l’atelier de Vilhs.

Le processus créatif

« Creuser dans les couches du temps n’est pas revenir en arrière, mais plutôt faire remonter à la surface des couleurs, des dessins, des lettres du passé pour les rendre visibles »

crédit photo JMLUBRANO

La trajectoire fulgurante de Vilhs sur la scène internationale ne saurait laisser indifférent. Plus de 200 portraits puissants et interrogateurs sur nous-même sont disséminés à travers les grandes capitales mondiales sur tous les continents. Ils portent le même questionnement de l’artiste soucieux de la condition humaine dans un univers urbain en constante évolution.

Vilhs pratique le recyclage en récupérant des matériaux rejetés par la civilisation urbaine. Des portes de maisons abandonnées se transforment au gré de son génie créatif face à ce matériau du quotidien. Il travaille avec une lame très fine des millefeuilles d’affiches publicitaires, attaque à l’acide des plaques de métal destinées au rebut, sculpte au marteau piquer ou à l’explosif des bas reliefs de façades délabrées.

Des actes de « destruction créative » comme il s plaît à qualifier sa démarche singulière qui lui permettent de rendre visible l’invisible.

Pour mieux saisir la profondeur et l’authenticité de la démarche de Vilhs, le parcours de l’exposition se termine par le regard posé par le visiteur sur une oeuvre originale créée pour Hennessy. En la regardant alternativement de près et de loin, le visiteur peut percevoir combien la distance donne du relief et du sens à l’oeuvre de l’artiste.

Je vous suggère de faire l’expérience par vous-même.

Les Visites Hennessy 8 rue de la Richonne à Cognac

Exposition libre et gratuite de 9h45 à 18h tous les jours jusqu’au 31 octobre 2018

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When sculpture turns into…creature

A slim black-dressed  man with white gloves, smiling beside one of his works in front of  a wall of photographs… It looks like an usual moment during a vernissage. And suddenly Li Hongbo takes the head of the sculpture and stretchs it into  scary or humorous deformations. An hypnotic sight. Welcome in the world of this famous chinese artist.

Vernissage on may 12 th 2017 in Angoulême.

Former editor Li Hongbo has always been fascinated by what he describes as “the endless possibilities of paper » and the know-how of ancestral traditional Chinese paper decorations.

Now artist and designer, Li Hongbo re-imagine paper art in a contemporary way by using an age-old honeycomb technique seen in… traditional paper gourd. His creations of  kinetic paper works which expand and retract, bind theses two influences.

Li Hongbo builds blocks of paper that he carves into human figures, objects, and replicas of Classical Greek and Italian busts. For the Musée du Papier d’Angoulême, he has created two busts of famous historic characters : King François 1er born in Cognac, King of France during « Renaissance » period of XVI century, and his sister Marguerite d’Angoulême, writer and maecenas of artists, Queen of Navarre.

Li Hongbo work has been the subject of solo museum shows around the world as Ocean of Flowers,Eight One Art Museum, Beijing, China (2017)Irons for Ages, Flowers for Days, SCAD Museum of Art, Savannah, GA (2015); Li Hongbo – Out of Paper, Kunstverein Ludwigsburg, Germany (2013), and Angoulême, Quand la sculpture devient créature  (2017)au Musée du Papier, the first exhibition in France for the artist.

http://www.musee-du-papier.fr/actualite/li-hongbo-sculpture-devient-creature/     

Till december 31st – Musée du Papier – Route de Bordeaux  à Angoulême 

Let’s go now in Cognac

JonOne, from street to gallery

« I want people to look at my art and say, ‘What is this?’. Hopefully, they’ll be inspired. I want to see where it takes them — and where it might lead me next. »

Born and raised in Harlem, from the age of 17 JonOne was captivated by the graffiti scene of New York in the 1980’s. Entirely self-taught, for him the subway cars were moving galleries, and the cityscape was an open museum. In the late 80’s JonOne came to Paris, where he quickly emerged at the forefront of the street art movement. Since then, he has been featured in dozens of solo and group exhibitions, his works have set records at auctions, and he is present in international galleries.

JonOne has been invited by Hennessy to create the design of 2017 VS limited edition, succeeding to Scott Campbell, Ryan McGinness, Shepard Fairey, Os Gemeos, Futura.

The artist built layer upon layer of freestyle splashes of color, to give his own vision of the Hennessy VS. He found correspondances between the blend and his own mix of colours.

With a tremendous sense of movement and color, his compositions combine freestyle, hand-painted aesthetics with a sense of repetition similar to textile patterns.

During the vernissage, the spontaneity and kindness of JonOne  has seduced all the guests.

Click here to see (after the ad)

The capsule exhibition takes place into the place  Hennessy « Les Visites » – quai Hennessy in Cognac till 4th november. 

It’ s not necessary to wear colour shoes as mine to enter !  (free access)

 SelgasCano first project in France

« Lightness has been a constant and integral aspect of our work, and we saw this project as a unique possibility to experiment and explore that concept further, » explained  José Selgas and Lucìa Cano.

The architects explained  that they prefer using light materials  generally cheaper, more energy efficient and more respectful of the surrounding environment: “Lightness is related to economy, the lightest materials are always the cheapest. And lightness is very much related to transparency, to respect the environment »

The pavilion is designed to house specific activities, events and performance-based experiences at the foundation.

Martell : 16 avenue Paul Firino Martell à Cognac

http://www.fondationdentreprisemartell.com/en

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Quand la sculpture devient… créature

Ses oeuvres d’art se présentent sous forme statique de sculpture, puis se transforment soudain lorsqu’elles sont étirées. Elles deviennent alors des créatures tour à tour menaçantes, étranges, fascinantes. Li Hongbo se joue des codes en transcendant… le papier et en explorant constamment son utilisation.

Vernissage en présence de l’artiste le 12 mai 2017

Puisant dans la culture traditionnelle chinoise, Li Hongbo réinterprète de façon magistrale la science du papier collé en nid d’abeille. Il s’inspire des fameuses courges en papier, des lanternes et guirlandes festives de la tradition populaire chinoise. Ce faisant il exprime à merveille l’émergence d’un nouvel art chinois contemporain sur la scène mondiale.

Artiste de renommée internationale, exposant dans de grands musées notamment en Australie, à Pekin, Hong Kong, Singapour, Saint Petersbourg, à New York à la Klein Sun Gallery, c’est la première fois qu’il expose en France.

Pour le musée du papier d’Angoulême, Li Hongbo a créé deux oeuvres originales inscrites dans l’histoire de la région. Le buste du roi de France François 1er, né à Cognac, et de sa soeur Marguerite d’Angoulême, reine de Navarre.

Oui, oui c’est du papier…Bluffant non ?

Jusqu’au 31 décembre 2017  au Musée du Papier 134 route de Bordeaux à Angoulême. Cet espace, ancienne usine à papier, retrace par ailleurs l’histoire du papier et du fleuve Charente et de ses affluents dont la clarté ont permis le développement de cette activité ancestrale.

Je vous emmène maintenant à Cognac, pour des découvertes tout aussi décoiffantes.

JonOne ou la couleur avant tout

En constant mouvement entre Paris où il possède son atelier et vit depuis 30 ans, Harlem, sa ville d’origine et les scènes artistiques d’avant-garde du monde entier, JonOne, aujourd’hui figure importante du street art, est toujours resté fidèle à lui-même. Pour cet artiste généreux et sensible, « l’art est un vecteur, un moteur ».

JonOne a été invité par la Maison Hennessy a créer  le nouvel opus de la série d’éditions limitées Hennessy Very Special réalisées par des artistes du monde entier, dont Scott Campbell, Ryan McGinness, Shepard Fairey, Os Gemeos ou Futura.

Bien sûr, avec JonOne, il faut jouer avec les couleurs, je les ai mises au pied…
Avec l’énergie qui définit son style et ses couleur vibrantes, JonOne a dessiné, « splashs » après « splashs », des traces vives de couleur entremêlées aux symboles propres à la Maison Hennessy tant pour Hennessy VS Spécial, que  pour cette oeuvre réalisée lors du vernissage de l’exposition, avec beaucoup de d’interactions et de partage avec les invités présents y compris dans les splashs  !

 JonOne aime jouer avec les formes la symétrie et l’asymétrie, la répétition… Chacune de ses toiles est une improvisation abstraite, dont la brillance et l’explosion de couleurs transmettent une joie de vivre immédiate.  Cette  collection capsule est à découvrir  au sein de l’espace Les Visites de la Maison Hennessy. Quais Hennessy à Cognac.

Vous pourrez également entrer  dans les coulisses du processus de création de l’édition limitée Hennessy Very Special et découvrir les sources de son l’inspiration puisées dans l’histoire et les savoir-faire de la Maison. Cette exposition éphémère dévoile les principes de sa technique de superposition et révéle d’autres créations aux couleurs graphiques.

Jusqu’au samedi 4 novembre www.lesvisiteshennessy.com Entrée libre

Le duo Selgas Cano investit Cognac

La Fondation d’entreprise Martell  a ouvert au public une commande in situ, architecture protéiforme inédite créée par les architectes espagnols Selgas Cano. Cette oeuvre insolite investit en totalité la vaste cour pavée située devant la Fondation.

Premier projet en France du duo de designers et architectes espagnols José Selgas et Lucía Cano, ce pavillon extérieur est composé de modules réalisés dans des matériaux techniques destinés à abriter pendant un an, diverses activités programmées par la fondation.

Fidèle à son architecture basée sur la transparence et l’ouverture, Selgas Cano a choisi une structure porteuse métallique recouverte par un matériau translucide étanche et robuste, composé de polyester et de fibre de verre. 31 rangées alignées laissent passer une lumière irisante créant des jeux de transparence et de couleurs. Les structures légères sont recouvertes par 786 coussins jaunes remplis d’eau pour maintenir la structure. Unie pour déambuler, se poser, se reposer sur les balancelles et coussins.

En place jusqu’en juin 2108 – Fondation Martell – 16 avenue Paul Firino-Martell à Cognac. http://www.fondationdentreprisemartell.com Entrée libre.

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Personne dans les rues ce dimanche matin là, j’étais bien seule quand soudain un tracteur arriva tranquillement sur la petite place du lavoir…

C’est ainsi que j’ai fait la connaissance de Maurice qui venait chercher de l’eau pour les légumes de son jardin. Rencontre avec un viticulteur de cognac à la retraite et très actif. « La propriété, c’est mon fils maintenant, vous la reconnaîtrez aux cuviers sur la droite en repartant sur Angoulême. Moi je m’occupe de mon jardin ».

Avec Maurice, pendant que sa tonne se remplissait de l’eau du puits situé au dessous du lavoir, nous avons parlé viticulture, patrimoine et culture…. Un beau moment de partage avec quelqu’un de profondément attaché à son  territoire.

Le lavoir d’Echallat

Comment ne pas tomber sous le charme de ce petit bijou situé en contrebas de l’église !

Couvert d’un toit en zinc à deux pans, soutenu par deux murs de pierre, c’est un espace propice à la quiétude, ou à la conversation sans se préoccuper du temps qui passe.

A l’intérieur un grand timbre en pierre constitué de deux bacs, d’une pierre à laver et de deux égouttoirs permet d’imaginer facilement comment le linge était lavé lorsqu’il n’y avait ni eau courante, ni machine à laver…S’il ne sert plus aujourd’hui à sa fonction originelle, le puits situé en dessous fournit de l’eau aux habitants. Le cuivre fixé sur la fontaine rappelle la vocation artistique vivante du village, il a été créée lors de l’édition 2007 du festival qui s’appelle tout simplement Echall’arts.

Echall’arts

Un festival d’arts plastiques en plein été dans un village de 500 habitants, c’est le pari osé et réussi de l’association l’ Alambic  qui l’a créé. Tournée à l’origine vers la mise en valeur du très beau patrimoine bâti de la commune par le biais d’animations, l’association a décidé de defricher de nouveaux territoires pour faire vivre un espace temps vivant, participatif, interactif,de développement de la créativité. Echall’arts est né ainsi. Chaque habitant qui le souhaite peut devenir acteur du festival. Des artistes contemporains viennent présenter leurs œuvres, des œuvres se créent pendant ces trois journées intenses, dans les cours des maisons qui ouvrent leur porche, sur les places, dans les granges, les jardins…

crédit photo pour le montage ci-dessus : Echall’arts
L’art contemporain est devenu ce trait d’union et de rencontre entres les habitants de longue date et les néo-ruraux, les plus âgés et les plus jeunes : c’est tout le village qui vit au rythme de la création.

Poterie, fonte de bronze, statuettes, pierre douce, mosaïque contemporaine, peinture, enluminure, encadrement, l’expression artistique est multiforme et fait vivre le cœur d’Echallat. Prochaine édition les 4 5 et 6 août 2017.

Ce dimanche là de prises de vue sans « road book » précis, c’est en passant du temps dans ce joli village, apparemment désert, que j’ai pu finir par rencontrer un de ses habitants,  dans un lieu qui autrefois était aussi celui de l’échange, celui du lavoir. Merci Maurice, bon jardinage et à bientôt.

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Complices et complémentaires, la simplicité et l’instinct les guident et cela leur réussit très bien. Deux personnalités généreuses dans le partage de savoir faire et d’expérience  issues d’une famille qui sait le lien fort qui l’attache à la vigne et l’importance de la transmission

« L’art, c’est subjectif, c’est comme une dégustation » dit Gabriel, par ailleurs le distillateur de la propriété. 

« Il n’est pas nécessaire d’avoir fait les beaux-arts pour apprécier l’art, et pas obligatoire d’être œnologue pour goûter de bons vins » lui répond en écho son frère Yann par ailleurs artiste plasticien reconnu .

L’exposition printemps 2017 du 21 avril au 22 juillet 2017

Le Preswar accueille l’atelier D&J, deux artistes qui se répondent sans se confondre.

Danielle Joubert présente Eveil, un ensemble de pièces murales et de sculptures évoluant entre art concret et art brut. Danielle s’inspire de la nature pour la retranscrire dans une vision très personnelle : elle cueille, recueille, récupère et détourne, des cailloux, des coquillages, des bois flottés, des objets abandonnés, des plumes d’oiseaux, du fil de fer, tout ce qui l’inspire sur le moment. Elle se définit très modestement comme une glaneuse et une assembleuse. 

Jacques Taris  artiste conceptuel et multimedia, présente Retour- Blanca project – configuration 8.

Menant de front une activité de professeur d’arts plastiques, et son parcours artistique, Jacques Taris ne cesse d’explorer des univers différents liés au temps, au voyage. Il expose régulièrement en France et à l’étranger. Sa fascination pour les chiffres lui inspire des séries de tableaux comme ces 38 toiles carrées de 38 cm de côté.

Sa performance de land art réalisée le lendemain du vernissage a été quant à elle inspirée par la fameuse suite de Fibonacci que  l’on retrouve dans la nature en observant  les tournesols, les dahlias, les pommes de pins, les chous romanesco,  les pétales de marguerite, l’ananas…  Celle de Jacques Taris était composée de sarments de vignes et de souchauds placés suivant cette suite ; elle s’est lentement consumée toute la journée.

La cuvée « collector »

Chaque exposition est liée à une édition limitée de 300 bouteilles de la parcelle de chenin blanc des frères Moine. L’étiquette est toujours une composition originale de l’artiste invité, et elle est réalisée par l’atelier D & J installé au cœur même de la propriété. Yann Moine est également artiste plasticien et fait vivre cette activité en correspondance avec la vigne.

La cuvée liée à cette exposition est intitulée «migrateurs ». Jaques Taris a été inspiré par l’histoire voyageuse du cépage de chenin.  On en trouve une première trace historique au XVI ième siècle dans la vallée de la Loire. Rabelais,  parle de ce cépage dans Gargantua. Puis avec la révocation de l’Edit de Nantes, le cépage part avec les viticulteurs huguenots en Afrique du Sud où il représente aujourd’hui plus du double de surface de  vignes qu’en Anjou et vallée de la Loire. On le trouve également au Chili, en Argentine, en Californie, Nouvelle Zélande et Australie. Un cépage nomade donc comme les oiseaux migrateurs. Cette subtile correspondance avec l’étiquette  existe dans l’exposition qui met en scène une plume, un ramage, au gré des œuvres de Danielle et de Jacques.

 Exposition au Preswar : du 21 avril au 22 juillet 2017 – Les Frères Moine – 1 rue de la Boucle – Villeneuve – 16200 Chassors – +33(0)5 45 80 98 91

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Effervescence dans la cour de la propriété quand je suis arrivée, à J-1 du vernissage de l’exposition de printemps. Les artistes, Danielle Joubert et Jacques Taris terminaient l’accrochage de leurs oeuvres, Gabriel et Yann Moine attaquaient l’embouteillage de la cuvée spéciale dédiée  à cette exposition : 300 bouteilles du cépage chenin blanc 2016. L’étiquette créée par Jacques Taris a été imprimée dans l’atelier installé au coeur même de l’exploitation.

Après le remplissage, il restait encore à coller à la main les dites étiquettes, bref une belle nocturne en perspective.

Rien en tout cas qui aurait pu entamer la bonne humeur et la passion de Yann et Gabriel. L’art aux champs, ou plus exactement dans les vignes fait partie intégrante de  la vie au quotidien.

La cuvée collector liée a cette exposition s’appelle Migrateurs. Jacques Taris, l’artiste invité a été inspiré par l’histoire du cépage de chenin qui vient de loin, comme un oiseau migrateur. Une subtile correspondance entre l’étiquette les œuvres exposées puisque l’on retrouve de temps à autre une plume ou un ramage au gré des œuvres de Danielle et Jacques

Dans cette propriété familiale dont l’histoire dessine également une saga sociologique et historique du siècle passé, la passion, le courage, l’envie de briser les codes et les frontières est prédominant à chaque génération. En témoigne cette précieuse photo datant du début du XXième siècle avec l’arrière grand père fondateur au milieu. Fiers de travailler dans les vignes de cognac mais sans arrogance, ils avaient mis les plus beaux vêtements pour poser sur cette photo, ce qui représentait un évènement à l’époque.

Les frères Moine,  version contemporaine, c’est d’abord la génération précédente,  qui a imprimé ce nom dans les consciences : François, le père et Jean-Yves l’oncle de Yann et Gabriel. Viticulteurs passionnés, ils ont également  créé  le Circuit du chêne dès 1990 afin que le public découvre le métier du merrandier, du tonnelier et du bouilleur de cru, des artisans du beau et du bon.  La famille Moine, une dynastie qui perpétue un savoir faire et réinvente la mise en scène à chaque génération.

Alors de l’art ou du vin ? Les deux répondent en chœur Yann et Gabriel. Pourquoi choisir en effet.

Une dose d’art à consommer sans modération !

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